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“En este cuaderno de apuntes se reúne una selección entre caótica, asimétrica e imperfecta de más de un centenar de temas que fuimos planteando, desarrollando, provocando y reflexionando en el sitio 3 minutos de arte. Y se convierte así en un recorrido por un universo de teorías estimulantes, de reflexiones tipo garrotazo, de herramientas, de miradas, de procesos creativos, de lenguajes y también de anécdotas, manifestaciones y frases de creativos famosos, de un rigor histórico cuestionable pero de una exquisitez incuestionable”.

Damián Poggi

Co-fundador, director creativo

y redactor de 3 minutos de arte

Apuntes sobre creatividad

Un compilado de teorías provocativas y notas sobre mecanismos, procesos y herramientas del oficio de la creatividad. Con observaciones y reflexiones para el futuro artista, para quien ya se puede considerar artista, para quien trabaja en cualquier disciplina creativa y también para enriquecer la mirada de quien no se dedica a crear sino a disfrutar lo creado.

Contenidos

1. Tratando de ordenar el caos. Una introducción prolija o no tanto a la creatividad

1.1. Dos aclaraciones tan breves como decisivas

1.2. Lo que está escrito en las estrellas. Primera reflexión sobre la creatividad

1.3. Empecemos desde antes del principio: ¿Sirven para algo los artistas? ¿Qué tienen que ver la creatividad y el sentido de maravilla del mundo?

1.4. Qué es creatividad y una primera paradoja en la vida del creativo

1.5. Los 3 elementos de la creatividad: cosmovisión, idea y recurso

1.6. ¿Cómo funciona la creatividad? El cheque de Groucho

2. La creatividad, de una cachetada a la vez pero sin pausa

2.1. La clave de la creatividad y el artista que todos asesinamos

2.2. El pensamiento simbólico en el principio y el fin de la creatividad. La conciencia del símbolo para aprender a mirar

2.3. El blanco y negro y una primera ley de la belleza

2.4. Si acaso la mitología fuera arte, ¿no sería entonces el arte perfecto?

2.5. El estilo y la asesina de las frases bonitas

2.6. Un concepto clave para avanzar: el mundo es la mirada que cada uno tiene sobre el mundo. El ejemplo del paisaje romántico

2.7. Comparación imprescindible: la creatividad en el arte y una disciplina que no es arte como la publicidad

2.8. El toque Capra: la lección del artista cuyo sello distintivo es su cosmovisión

2.9. La cosmovisión como manifiesto. El ejemplo de Hundertwasser y la teoría de las 5 pieles

3. El criterio y algunas cosas que hacen al criterio. La delgada línea entre lo valioso y la tontería

3.1. El golpe de horno que necesita todo artista: el criterio

3.2. La contradicción de la originalidad

3.3. Para entender de una vez por todas qué es el mal gusto. Qué cosas determinan que algo es kitsch

3.4. La mentira de la página en blanco. La paradoja de la creatividad no como crear sino como destruir. Otra lección de Billy Wilder

3.5. El problema no es hacer algo bueno. Es poder ver qué es lo bueno entre todo aquello que uno ha hecho. La mandolina y el nacimiento del estilo de Botero

3.6. La excesiva intelectualidad en el arte: la lección del burro Lolo

3.7. Lo perfecto está bien, pero uno suele enamorarse de otra cosa. La comedia a la italiana y una lección sobre la seducción

4. Entender algunos eventos históricos clave para ayudar a formar un criterio, o al menos para no quedar en ridículo

4.1. Sin conocer la historia no hay criterio posible: ¿Podemos comprender la historia del arte en pocas palabras? Una historia del arte indefendible pero funcional.

4.2. Para empezar a pensar en la belleza, primero hay que conocer algunas claves de la Antigüedad clásica

4.3. Otro momento crucial en la historia del arte: la rebelión de la mirada

4.4. ¿Pero qué es el arte moderno? ¿Cuándo empieza?

4.5. Las vanguardias y las banderas de la modernidad

4.6. El universo de la libertad absoluta: ¿Qué fue el anti-arte?

4.7. La llegada del arte conceptual. El urinal de Duchamp

4.8. ¿Qué fue la vuelta al orden? La historia del arte y su vaivén pendular

4.9. ¿Qué fue la contracultura? ¿Qué es contracultura?

4.10. ¿Qué hizo la posmodernidad con el arte?

4.11. Recomendamos aquí ir al capítulo 8, “Los límites y la transgresión”, cuyo punto 8.9 refiere al llamado “fin de la historia del arte” y a lo que viene después.

5. El espíritu de las obras

5.1. ¿Qué es una obra academicista? La importancia crucial de lo académico: las reglas a destruir

5.2. ¿Qué es una obra clásica?

5.3. Para terminar de una vez por todas de confundir el romanticismo con el amor: ¿qué es en realidad una obra romántica?

5.4. ¿Qué es una obra barroca?

5.5. ¿Qué es una obra impresionista?

5.6. ¿Qué es una obra naturalista o realista?

5.7. ¿Qué es una obra simbolista?

5.8. ¿Qué es una obra expresionista?

5.9. También se puede ir hacia adelante yendo hacia atrás: ¿Qué es el primitivismo?

5.10. ¿Qué es una obra de arte naif? El arte ingenuo que no es tan ingenuo

5.11. ¿Qué es una obra surrealista y qué no es una obra surrealista?

5.12. ¿Qué es una obra conceptual?

5.13. ¿Qué es una obra pop? ¿Vivimos inmersos en una obra de arte?

5.14. ¿Qué es una obra minimalista?

5.15. Otra cosa que enriquece la teoría que todo lo que puede ser transgresor ya se hizo hace más de medio siglo: el bad painting

5.16. ¿Qué es una obra posmoderna?

6. El recurso es una herramienta para el creativo, pero el propio creativo a la vez puede potenciarlo hasta lugares impensados. Algunos ejemplos de recursos

6.1. Un recurso puede ser muchas herramientas. La lección de la cámara subjetiva

6.2. La distorsión emotiva: la deformación como manera de mostrar mejor

6.3. Una herramienta fundamental para mostrar lo que no se ve: la alegoría

6.4. Para entender de una vez por todas la diferencia fundamental entre el absurdo y el realismo mágico

6.5. La fuerza de lo que no se muestra: la lección del fuera de campo

6.6. ¿Por qué debería funcionar el humor para decir algo serio? La sátira

6.7. ¿Qué es la gestualidad en el arte? La gestualidad en la pintura

6.8. Para entender de una vez por todas qué es el grotesco

6.9. El tortazo en la cara y la lección de la simplicidad

6.10. ¿Qué es la ironía dramática? El recurso que cambia el rol del espectador

6.11. Para confirmar definitivamente que el recurso no sirve de mucho si no hay artista detrás: Vermeer y la cámara oscura

(Título demasiado largo que también podría haber sido: “No es la perfección, es el alma”)

7. El proceso creativo

7.1. El proceso creativo

7.2. El primer estímulo de todo proceso creativo. La catedral donde reza el artista

7.3. ¿Cómo funciona el proceso creativo? El ejemplo de Magritte

7.4. La lección de Paul Gauguin: el sintetismo y su proceso creativo

7.5. El proceso creativo de los surrealistas: el automatismo psíquico

7.6. Un ejemplo de proceso creativo, pero ya no individual sino colectivo: el cadáver exquisito

7.7. La Ley de los hermanos Marx: el caos funciona, siempre y cuando funcione como un reloj

7.8. El comienzo del proceso creativo: la incursión en determinado género también es cosmovisión. El ejemplo de la comedia de enredo matrimonial

7.9. El director Gregory La Cava y el proceso creativo que aterraba a los productores

7.10. La fórmula de Chaplin

7.11. El método paranoico-crítico de Salvador Dalí

8. Sobre límites y transgresiones

8.1. Los límites: el Código Hays, la lección del beso y la Primera Paradoja de la Creatividad

8.2. La necesidad de provocar y generar impacto: un mundo donde la mayoría grita sin tener nada que decir

8.3. Una lección fundamental del humor: ¿Cuál es el límite? ¿Hasta dónde se puede transgredir?

8.4. Transgrediendo límites: cuándo una pintura dejó de ser sólo una pintura. Joan Miró, el asesino

8.5. Sobre las dificultades de la libertad absoluta: el ejemplo del assemblage (ensamblaje)

8.6. Yendo hacia el límite: el arte señalado (vivo-dito) y el manifiesto del arte vivo

8.7. También en los años sesenta se llegó a un límite de provocación difícil de superar: Piero Manzoni y la Merde d’artiste

8.8. ¿Quién pone el límite moral? La libertad del espectador a ser perturbado

8.9. ¿Qué es “el fin de la historia del arte”? ¿Qué es lo que viene después?

9. Más lecciones y leyes de la creatividad y el arte. Muchas pero todas imprescindibles

9.1. La Ley de Lubitsch sobre la sugerencia: Las puertas son tan importantes como los actores

9.2. Una lección de la fotografía: el encuadre como la cosmovisión

9.3. La forma también es contenido: el ejemplo del montaje como la base del lenguaje cinematográfico

9.4. Los desnudos de Modigliani, una lección del arte moderno

9.5. El concepto “el medio es el mensaje” (y la evolución de su significado)

9.6. ¿Puede una mirada sobre el mundo cambiar el mundo? El ejemplo de la Nouvelle Vague

9.7. ¿Qué es el aura de una obra de arte?

9.8. Menos es más

9.9. La lección de Ingres sobre la belleza

9.10. Otra lección sobre el contexto: las cosas en función de lo que tienen al lado. El efecto Kuleshov

9.11. El arte y el contexto: el ejemplo del graffiti

9.12. El humor inglés. La creatividad en función de dónde nos paramos a mirar

9.13. Una mitología moderna. El lugar donde se encontraron el arte y la mitología

9.14. ¿Cómo se hace comedia? Hay que empezar por preguntarle a Howard Hawks

9.15. El cine y una lección de la vida misma: sin conflicto no hay guión. Los tres niveles de conflicto

9.16. El apropiacionismo: ¿robar en nombre del arte? La relación con lo conceptual y lo posmoderno

9.17. La belleza no es sólo la de las cosas bonitas. La lección del neorrealismo italiano

9.18. Una anécdota exquisita para reflexionar sobre el ready-made, el arte conceptual y los títulos de las obras

9.19. La ley del spaghetti western: “No hay presupuestos pequeños sino talentos pequeños”

9.20. Cuatro paradojas de la abstracción

9.21. Cómo se sostiene la tensión dramática. Recordando a Griffith

10. Tratando de llegar a algunas conclusiones antes de retomar el caos

10.1. ¿Cuál debería ser el precio del arte? La lección de Whistler

10.2. Una de las mejores respuestas a una de las expresiones tan comunes como poco brillantes que se escuchan todo el tiempo: “¡Pero eso lo hace cualquiera!”

10.3. Si ya se hizo todo, ¿se puede hacer lo que ya se hizo pero de manera distinta? El cineasta Jacques Tati es un buen ejemplo a tener en cuenta

10.4. Joan Miró completa la idea de Whistler ¿Cuánto se tarda en dibujar una línea?

10.5. Un final para empezar por el principio: 4 principos fundacionales de la creatividad en el arte

10.6. La creatividad en un mundo donde ya ha sido todo inventado. Una teoría inciertamente válida pero sí hermosa

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